Exhibition

2024年11月21日（木）ー12月8日（日） ［木・金・土］12:00ー19:00　 ［日］12:00ー17:00 ※月・火・水 休廊　 宮城、東京、兵庫、鳥取などを拠点に活動する現代美術家・久保田沙耶の個展を開催いたします。本展「すきまのあるじ（Hosting the In-between）」は、Yu Harada（曙橋）での久保田沙耶展「もぬけの城」から1年ぶりの都内での個展になります。 1年前、彼女は小さな砂浜を見つけ、岩礁の窟の中にひっそり住んでいる貝、引き潮の時に少しだけ海水が残ったところを棲家にしているヤドカリに出会います。寝そべって砂に埋もれ丸一日でも過ごすことができた砂浜に魅了されていきます。家の間の隙間に住んでるカタツムリ、メスのために一生懸命隙間に美しい巣をつくるオスドリ、岩の裏にはりついたたくさんのフジツボ……。そういう名もなき子たちの目線を借りて、やわらかい砂を隙間に埋めてあげるような、手からこぼれ落ちる悲しさをもやさしさに変え作品へと導きます。iwao galleryの浜辺に辿り着いた作品たちが鑑賞者をいざなうことでしょう。 ＜ギャラリートークと朗読会＞ 管啓次郎（詩人・比較文学研究者）×久保田沙耶 11.22（金）19:00ー20:30　定員20名（無料、要予約） ◉久保田沙耶 ［Saya Kubota］ 1987年茨城生まれ。東京、鳥取、宮城、兵庫などを拠点に活動。筑波大学芸術専門学群卒業。東京藝術大学大学院美術研究科修了後、同博士号取得。日々の何気ない光景や人との出会いによって生まれる記憶と言葉、それらを組み合わせることで生まれる新しいイメージやかたちを中心に、平面や立体作品、さらには独自の装置を用いたインスタレーションなど、様々なメディアを駆使しながら制作を続ける。主な個展に「material witness」（2016 大和日英基金）、主なプロジェクトに「漂流郵便局」（2013 瀬戸内国際芸術祭）など。 Instagram：@sayakubota Hosting the In-between Saya Kubota Exhibition 2024.11.21(thu)-12.8(sun) Open:Thu-Sat 12:00-19:00 Sun 12:00-17:00 Close:Mon-Wed

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2024年10月10日（木）ー27日（日） ［木・金・土］12:00ー19:00　 ［日］12:00ー17:00 ※月・火・水 休廊 木版画から表現を広げていき、ドローイング、コラージュ、アートブックへと展開させている作家・常田泰由の個展「and Books」を開催いたします。 木版の作品、そして、小さな本たちを展示。常田の作品は〝いろ〟と〝かたち〟で構成され、シンプルでありながらも遊び心を感じる。そして、その先には本という形状がある。すでにある自分の作品を一旦解体し、並び直し、綴じることでシートから本へと形態・文脈を変えてみせ「コラージュ」の考えかたをベースにしている。彼は「自分が制作した作品でありながら、自分の作品ではないようなありかたが心地よく感じている」と言う。裁断したりしたページが集まり綴じている小さな本には、めくり触れることで独特の質感も味わうことができる。 〝いろ〟と〝かたち〟の自由でリズミカルな組み合わせ、心踊る展示を愉しんでください。 ーーーーーーーー ⚫︎本の作品について 過去に作った作品から本をつくっている。刷り損じたもの、作りかけのものから組み合わせを考え、並びかえてつくる。 作るのでなく、直す、整えるような感覚。どんなものができるか決まっていない。 ただの紙束のようでもあるが、ひとはページをめくって読んでくれる。 ⚫︎木版の作品について いくつかの版を作り、刷り重ねたり、刷ったものを重ねたりして作る。 本の作品と同様に、どんなものができるは決まっておらず、そのときどきの組み合わせで作る。 常田泰由 ーーーーーーーー ＜ワークショップ＞ 切る・並べる・綴じる　小さい本を作ろう 10/18（金）18:30-21:00　定員6名　3,000円（おやつ＋飲み物付） ※要予約　10/1（火）からiwao gallery HPで申込開始。 ◉常田 泰由［Yasuyoshi Tokida］ 1980年長野県生まれ。版画家。東京造形大学絵画専攻卒業。愛知県立芸術大学大学院修了。現在、東京造形大学絵画専攻 助教。木版画を中心に国内外の美術館、ギャラリーで発表、版画やアートブック制作のワークショップも開催している。「めくる、ひろがる－武井武雄と常田泰由の本と絵と－（本と美術の展覧会vol.4）」（2022 太田市美術館・図書館／群馬）。「Refind」（2022 Gallery惺／東京）「あなたとかたち」（2023 GALLRY NOYIE／長野）「中田篤 × 常田泰由　“Color & Sense”」（2023 水犀／東京）「Repeat」（2024 Gallery匣／東京）など個展、グループ展多数。主な収蔵先として、Muzeum Sztuki i Techniki Japońskiej（ポーランド）、観澜国際版画ビエンナーレ組織委員会（中国）、愛知県立芸術大学芸術資料館、町田市立国際版画美術館、鹿沼市立川上澄美術館など。 Instagram：@yasuyoshi_tokida and Books Yasuyoshi Tokida Exhibition 2024.10.10(thu)-27(sun) Open:Thu-Sat 12:00-19:00 Sun 12:00-17:00 Close:Mon-Wed

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2024年9月5日（木）ー22日（日） ［木・金・土］12:00ー19:00　 ［日］12:00ー17:00 ※月・火・水 休廊　 牧野真耶×西村祐美「Atmosphere」二人展を開催いたします。 自身の記憶の断片を、藍という染料を支持体に深遠な色彩表現と抽象的な画面構成で表現する牧野と、反復と集積というシステムの美しさに魅了され独学で〝織り〟というものをより抽象化する、テキスタイル領域から美術へと深化する西村。ふたりの作家は素材、技法、アプローチも異なる作品であるが、醸し出す〝Atmosphere〟はどこか似ている。二人ともが追求する、限られた状況・空間や色彩の中に無限の世界を見出すミニマリズム。彼女たちの持つ静かに響く呼吸とiwao galleryの空間での〝Atmosphere〟をお楽しみください。 ※Atmosphere＝特定の場所や状況が持つ特有の感じ。雰囲気。 ———- 牧野真耶の作品は、無意図的に知覚した感覚から、瞬時に過去の風景が目の前に映し出される体験を絵画の中にキャプチャーし留めておくということを目的としている。夜の静けさ、雨の音、花の香り。これらの断片は、幼い頃の記憶を呼び起こし、作家がこれらの光景や感覚を意識するのと同じように、鑑賞者の頭の中で揮発した後、瞬時に消えるという体験をする。 牧野の絵画的実践の最も本質的な側面のひとつは、おそらく色の深度であろう。彼女は、胡粉を使った地塗り材で下塗りをしたパネルに一種類の染料を使ってさまざまな藍の色合いを表現する。藍は絵画の表面に留まっているのではなく、支持体に浸透している。それは、彼女が感情や記憶を瞬間的に思い出し、捉え、保存することを追求する際に、心に浸透していくこととリンクしていると言える。牧野にとって絵画とは、特定の表面に特定の材料を塗り重ねる行為だけではない。色彩が絵画の物質的な面を超越するように、支持体の奥から立ち現れる現象として捉えている。 ———- ———- 西村祐美は、現在のような制作を行う以前、学業や仕事を通じデジタルな制作現場で活動していた。どこか実体の感じづらい作業を続ける中で、もっと本質的な素材に立ち返りたい、自分の指で何かを形にしたいという思いを次第に募らせていた。その時期ふと手織りに興味を持つ機会があり、反復と集積というシステムの美しさに魅了され独学を開始した。 西村は、テキスタイルの領域で自身の立ち位置を模索していた頃、韓国のミニマルな抽象表現である単色画(ダンセッファ)と出会い、その反復に対する肯定的な姿勢と引き算の美学に影響を受け、〝織り〟を抽象的に表現することを意識し始める。2022年に開催されたiwao galleryでの個展では、手織りによる反復のシステムとそれを行う人間の手作業や素材から生まれる揺らぎを用いた作品を制作、展示した。 2023年以降は〝織り〟というものをより抽象化していくために、実際の織り機から離れ、いくつかのシリーズを展開しながら、織りの中でとりわけ興味を惹かれる要素 —反復・集積・交差・密度・素材—などを軸とした制作を行っている。 ———- ◉牧野真耶［Maya Makino］ 1980年神奈川県生まれ。2009年 東京藝術大学大学院美術研究科修士課程絵画専攻修了。2003年より藍を使用した作品を制作し続けている。国内外のギャラリーの他、2012年 東京都府中市美術館、201…

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露口啓二「移住」展に寄せて 「移住─現在そして未来を生き抜くために」 四方幸子［本展キュレーター］ ーーーーーーーーーーーーーーーーー 　空では渡り鳥が、季節に応じて北と南の遠距離を回遊し続けている。梅雨に活性化する粘菌や微生物は、環境に応じてコロニーの形成や離散を繰り返している。地球上のあらゆるものは—生物も無生物も含め—太陽など宇宙から、そして地殻変動など内部からの影響を受けながら常に移動し、互いに作用し合ってきた。人類も誕生以降、自然の一部もしくは自然に寄り添う存在として、移動と定住を繰り返しながら生きてきた。そのような中、現生人類だけが、技術や抽象思考を発達させ自然を対象化し境界を策定し、それらを維持するための情報操作を行ってきた。 　大地、水、森、鉱物そして動植物（これらはいずれも「情報」とも言える）…人間の歴史は、あらゆるものを資源として囲い込みドメスティケートする歴史であり、そこには、支配者側が人間と見なさない人間も含まれていた。人間による人間の支配は古代から存在していたものの、とりわけ西洋近代以降、産業化とともに発展した資本主義によって、国家を前提とした大規模かつシステマティックなものへと展開した。 　日本においては、明治時代以降に東京を中心として国家の発展と産業振興を旗印に近代化が推進されたが、［1］中でも核となったのが、新たに「北海道」と名づけられた旧蝦夷地の防衛と開拓である。政府の政策により国内各地から故郷を離れて入植した人々は、厳しい自然の中で生き、強制移住を余儀なくされたアイヌの人々は病気や死亡に瀕し、農業実習のため東京へ送られる者もいた。 　「移住」は様々な目的でなされるものであるが、露口が本展「移住」で扱っているのは、近代化の中で政府の意向で北海道へ移住した人々に寄り添った寡黙な歴史と移住前後の土地の現在である。写真は、以下の要素で構成される。皇居。明治時代に開拓使が置かれた東京の芝公園、渋谷などと開拓本府があった札幌の中心部。栃木県の足尾銅山跡や鉱毒汚染に見舞われた下流の旧・谷中村（現：渡良瀬遊水地）とこの地域から集団で入植した北海道佐呂間町。そして2011年3月11日の東日本大震災で高濃度の放射線汚染被害を受けた福島の地域。いずれも複数の写真を並置した展示となっている。 　露口によって慎重に掬い上げられた写真は、整然とした佇まいの皇居以外は、通常人が目を向けないような都市風景や荒れ果てた家屋などを含む地方や自然の風景である。各写真は一点で何かを表象するのではなく、むしろ複数性において、写真の間（はざま）に湧き起こるざわめきの中から見る側に語り始めることだろう。 　露口は、同じ集団が住んだ二つの地—慣れ親しんだ故郷と故郷とすべく乗り込んだ新たな地［2］ —の現在に入り込み、それらを並置する。入植者は新たな土地でも故郷の文化や伝統を維持し、地名もしばしば故郷にちなんでつけられた。離れても消えない故郷や先祖への思い、そこに上書きされていく入植地での経験や記憶…世代を隔て21世紀となった現在における状況が、露口を通じて露わになる。近代化はまた、資源採掘とエネルギー確保のための移民を多く生み出した。本展では、鉱毒汚染による移住、開拓地での炭鉱や戦後の原子力発電所などでの労働のための移民、そして引き起こされた事故や汚染による避難のための移住までもが扱われている。 　露口は当事者ではない。しかし当事者たちが生きていた地を何度も訪れ、場の痕跡や記憶に丹念に向き合いながら［3］ 一種のフィルターに徹することで生み出された渾身の写真…

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2024年7月11日（木）〜21（日） ［木・金・土］12:00ー19:00　 ［日］12:00ー17:00 ※月・火・水 休廊 本展は、キュレーターに四方幸子氏を迎え、露口啓二が2017年から撮影を開始したシリーズ「移住」をもとに展示構成いたします。また、写真集『移住』を会場先行発売いたします（協力：赤々舎）。 写真が幸運に恵まれたなら、繰り返し降り注ぐ堆積物に覆われ不可視となった過去の出来事や不在の歴史への道標となり、忘れてはならない記憶を辿るための回廊ともなりうるだろう。　2024年 露口啓二 ーーーーーーーーーーーーーーーー 写真集『移住』は、複数のトランスポジショナルな関係にある土地と土地を連結させ、比べ照らし合わせることで、近代日本の経てきた負の歴史と、その「なれの果て」としてある現在への想像力を立ち上げようと腐心している。自然災害、公害、戦争によって生来の土地を追われた人々が、別の土地へ移住する。本書が対象とするのはそれにまつわる史実であり、史実と照応しうる場所の風景である。 ーーー「写真史の死角から」倉石信乃（詩人、美術評論家） 「犯罪の現場に戻る」。この言葉は、犯罪の痕跡の完全な抹消が不可能であることを言う。この不可能性の核心に、どんな警察的視線より前にたどり着かなければならない。そのとき責任の観念は規範の拘束から解かれ、応答可能性の扉が開かれる。露口啓二の写真は、一枚一枚がそのような扉である。 ーーー「犯罪の現場に戻る」鵜飼 哲（哲学者、活動家） 写真集『移住』（発行：赤々舎）より抜粋 ーーーーーーーーーーーーーーーー ✴︎ gallery talk ✴︎ 7.12（金）19:00ー20:30 四方幸子×露口啓二 ※ギャラリートーク（無料、要予約）の申込受付は6/20（木）よりHPにて告知いたします。 ◉露口啓二［Keiji Tsuyuguchi］ 1950年 徳島県生まれ。1990年代末より、北海道の風景と歴史に着目した写真シリーズ「地名」の制作を開始。2014年 第一回札幌国際芸術祭に、映像と写真のインスタレーションを発表。同年、人間の営みの痕跡が自然に浸食されていく様子を撮った「自然史」シリーズの制作を開始。2018年「自然史」シリーズを「今も揺れている」展（横浜市民ギャラリーあざみ野）に出品。同年「地名」シリーズを「さがみはら賞受賞」展出品。2020年「地名」と「自然史」を「道草」展（水戸芸術館現代美術ギャラリー）に出品。2021年「The world began without the human race and it will end without it」展（国立台湾美術館）に出品。2021年より2023年まで、映画『Wakka』に撮影監督として参加。写真集に『自然史』（2017）『地名』（2018）がある。 ◉四方幸子［Yukiko Shikata］ キュレーター／批評家。「対話と創造の森」アーティスティックディレクター。美術評論家連盟会長。多摩美術大学・東京造形大学客員教授、武蔵野美術大学・情報科学芸術大学院大学（IAMAS）・京都芸術大学非常勤講師。「情報フロー」というアプローチから諸領域を横断する活動を展開。1990年代よりキヤノン・アートラボ（1990-2001）、森美術館（2002-04）、NTTインターコミュニケーション・センター(2004-10)と並行し、インディペンデントで先進的な展覧会やプロジェクトを多く実現。2010年代の仕事に札幌国際芸術祭2014、…

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2024年6月13日（木）〜30日（日） 　 ［木・金・土］12:00ー19:00　 ［日］12:00ー17:00 ※月・火・水 休廊 ここ数年、活躍が目覚ましい注目の若手作家・足立真輝、彼のアートワークと建築分野でのプロジェクトの紹介で構成される個展 「Humanized Metronome」を開催します。 足立は主に紙や木といった身近な素材を繊細に組み合わせながら、直線的なモチーフの集積と反復によって抽象的なオブジェを制作します。それらは身体に深く染み付いた記憶の座標が層になり重ね合います。建物の一部が顕れ出たような足立の作品は、見る角度によって淡い影や光が交差する。自身の身体的記憶の欠片として屹立し、過去の余韻を残します。 シンプルさを保ち美しく静謐な作品たちを、是非ご高覧ください。 ーーーーーーーーーーーー Statement  私の作品は、紙や木を重ねたり剥がしたりして作られている。デザインプロセスの中で生成されるもの、特に未完成の建築模型などの抽象化された空間を触媒に、自身の身体に深く染みついた記憶が再編成されるようなメディアに惹かれてきた。 身近な素材が建築の構成要素への〝見立て〟によって組み合わされる建築模型は、枯山水のように、所有者不在の普遍的な身体的記憶を他者と共有するはたらきがある。そのようなメディアの生成行為を、身体の中で際限なく反復し続けるオブセッショナルな形象を切断し、その破片を実空間に定位させるシステムに変換させたい。 重ねる行為は〝縁（フチ）〟が自身の輪郭を手探りで捉えようとするのに似ている、輪郭は実存しないのだ。ただその試みはアタリをつけたところから全て記録されて、その残像の中で多様な全体性を浮かび上がらせる。錯乱する情報への接続過多により自他の境界が溶け出し、自律的な身体性を著しく失いつつある日々の中で、それらはヒューマナイズされたメトロノームのように、我々の身体に寄り添い、その輪郭の周縁をなぞり続ける。  夢や記憶の中の身体性、その想起と揮発の感覚がどのように物質界にフィードバックし得るか、またそれを媒介に他者と共有されるモデルネの幻想に興味がある。 2024年 足立真輝  ーーーーーーーーーーーー ◉足立真輝［Masaki Adachi］ 1990年、神奈川県生まれ。大学、大学院で建築を学んだ後、独立。2019年にBankARTへのレジデンスをきっかけにアーティスト活動を開始。直線的なモチーフの集積と反復によって表現した記憶の空間を、建築模型的な抽象表現技法で制作する。 2014年 足立一郎記念賞（論文：大地と繋がる建築─村野藤吾設計、箱根プリンスホテルの作品論─）2017年 第13回ダイワハウスコンペティション最優秀賞 2022年 Independent Tokyo 2022 審査員特別賞（木戸涼子賞）（KIDO press）など。 Instagram：@masaki_adach Masaki Adachi exhibition Humanized Metronome 2024.6.13(thu)-30(sun) Open:Thu-Sat 12:00-19:00 Sun 12:00-17:00 Close:Mon-Wed

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『日本語のデザイン　文字からみる視覚文化史』（永原康史著、Book&Design発行）の刊行を記念し、著者所有のタイポグラフィ関連資料や著者が制作したアルゴリズミック・タイポグラフィ作品を2会場で展示いたします。会場にて書籍も販売いたします。 現在、京都dddギャラリーで開催中（〜5/26）「永原康史―時間のなかだち：デザインとNFTの邂逅」の『The Hunting of the Snark 2024』展示作品とは別に、iwao galleryでは新作『ULYSSES 2024』が展示されます。初めて彩色したアルゴリズミック・タイポグラフィ作品になります。是非、ご高覧ください。 会期： 2024年5月9日（木）－12日（日）、16日（木）－19日（日）※両会場共通 ［木・金・土］12:00ー19:00　［日］12:00ー17:00
 open 木・金・土・日　close 月・火・水 会場： ・Book&Design（タイポグラフィ資料の展示） 東京都台東区浅草2-1-14 3F［最寄駅：浅草駅］　https://book-design.jp ・iwao gallery（作品の展示・販売） 東京都台東区蔵前2-1-27 2F［最寄駅：蔵前駅］　https://iwaogallery.jp 主催：Book&Design、iwao gallery、The NAGAHARA OFFICE Inc. お問い合わせ：Book&Design（info@book-design.jp） ◉永原康史（Yasuhito Nagahara) グラフィックデザイナー。電子メディアや展覧会のプロジェクトも手がけメディア横断的に活動する。1997年〜2006年IAMAS（岐阜県立国際情報科学芸術アカデミー）教授。2006年〜2023年多摩美術大学情報デザイン学科教授。2005年 愛知万博「サイバー日本館」、2008年 スペイン・サラゴサ万博日本館サイトのアートディレクターを歴任。2022年には初の作品集『よむかたち デジタルとフィジカルをつなぐメディアデザインの実践』を刊行。『インフォグラフィックスの潮流』（ともに誠文堂新光社）『デザインの風景』（BNN）など著書多数。   『日本語のデザイン　文字からみる視覚文化史』 永原康史著／Book&Design発行 A5判／176頁／上製本／3,000円┼税 ISBN978-4-909718-11-2 2024年4月17日発売 通販サイト https://bookdesign.theshop.jp

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2024年4月4日（木）〜14日（日） 　 ［木・金・土］12:00-19:00　 ［日］12:00-17:00 ※月・火・水 休廊 1970年後半、エドワード・ホールはボストンにて写真家としての活動をスタート。その後、ニューヨークに移りキャリアを積み商業（広告）的な活動も始める。2003年、日本に移住。日本の美学と日本各地で過ごす時間の影響を受けながら、写真家としての旅を続けている。 彼は花を撮ることは人を撮ることとに似ている言う。時間の経過で被写体の表情は変化する。古典的題材でもある花の静物をポートレートの一形態としてアプローチする。 細やかな洞察力で撮影した花（静物）14点に人物ポートレート（プライベート作品・非売品）を2点加え展示。今回、日本では初個展となる「Floral Intimacy」を開催する。是非、ご高覧ください。 ※プリントは全てPIEZOGRAPHYです。 PIEZOGRAPHY：アメリカで開発されたモノクロ専用インクを特別なプリンタドライバで出力する最高級のモノクロプリントになります。従来の3段階グレーインクにカラーインクを混ぜて出力する方法ではなく、7段階のグレーインクだけを使用してプリントするため、非常に高いシャープネスと豊かなグラデーションを実現。描写性の高いシャドウとハイライト、そして優れた保存性があります。 ーーーーーーーーーー Artist Statement 日本の生け花、ルネサンス期のオランダの静物画、フランスの印象派の野外絵画など多くの文化には、花にまつわる芸術の長い歴史がある。いずれの場合も、アーティストは自然への敬意と作品を融合させている。 何らかの形で、芸術は私たち人間の存在における自然や環境の影響に作用する。アイデアがどこから来るかは重要ではなく、重要なのはアーティストがなぜそれを追求することを選んだかである。アーティストが伝えたいと思う感情は、アーティスト自身の人間性と彼らを取り巻く世界との架け橋にもなる。 大理石の彫刻やフレスコ画、水彩画のように一度描いてしまうと、油絵や粘土のように気持ちを切り替えて描き直すことができない形態もある。これは花材を撮影する際にも言えることで、2時間後に撮り直せば、被写体の表情は変わってしまう。その結果、私は常に前進している。もちろん、新しいことに挑戦することはできるが、後戻りはできない。 私にとって、花を撮ることは人を撮ることに似ている。被写体にまったく同じものはなく、それぞれが真っ白なキャンバスや空のフレームを背に自分自身の自己像を提示する。その出発点から、私は被写体の個性や独自性を調査し、見る人が自分の記憶と結びついたり、新たな記憶が生まれたり、自分自身について新たな発見をしたりするような、ある種の感情を伝える方法をとらなければならない。そのプロセスにおいて、形、質感、光と影が重要な役割を果たすのは明らかだ。私は常に花の静物をポートレートの一形態としてアプローチしようとしてきた。 2024年 エドワード・ホール Many cultures have long histories of floral related art, for example, Japanese Ikebana, the Dutch still life paintings of the Renaissance or the plein-air work of the French impressionists. In each case, the artist is combining…

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2024年3月1日（金）〜17日（日） 　 ［木・金・土］12:00-19:00　 ［日］12:00-17:00 ※月・火・水 休廊 プラチナ・パラジウム・プリント技法と、日本伝統の雁皮紙を用いて、すべて自身の手により制作している写真家・志鎌猛の「Urban Forest（都市の森）」写真展を開催します。森に呼びかけられているような、手招きされているような、不思議な感覚で森を訪ね歩き撮影していた志鎌は、やがて日常の近くにある〝都市の森〟にも惹きつけられていく。ニューヨークのセントラルパーク、パリのリュクサンブール公園、香港のヴィクトリア・ピーク、そして、私たちにとって身近な東京・井の頭公園へと……。志鎌の（プラチナプリント）表現は幻想的であり〝都市〟と〝自然（森）〟という一種相反する異空間にいざなう。都市に居ながらにしても森の静かな息吹が聞こえるだろう。是非、この機会にご高覧ください。 ※プラチナ・パラジウム・プリントは、1873年にイギリスで発明された「光の芸術」とも呼ばれるプリント技法。連続階調と経年変化に耐えうるプリントの安定性から、その美しさは半永久的に保たれる「永遠のプリント」と言われています。 ーーーーーーーーーーーー Artist Statement 　私は、森のなにげないたたずまいに強く惹かれて写真を撮り続けてきた。 　森に呼びかけられているような、手招きされているような、不思議な感覚。森との交歓、とでもいえばいいのか。なにかそういうものに導かれながら、日本の各地へ、より遠く海外へも、手つかずの森を訪ね歩いた。そうしている間に、日本人としての遺伝子に潜んでいた自然への憧憬、畏怖の念が覚醒していったのかもしれない。 　やがて私は、人の日常の近くにある〝都市の森〟にも惹きつけられていく自分に気づく。きっかけになったのはニューヨーク・マンハッタン、まさにコンクリートジャングルの真ん中に拡がるセントラルパークだった。それは人工的に造られた自然でありながら、都市という環境にあってもなお、人間の、自然と共に生きたいという根強い欲求の名残りを垣間見せていた。以来、私はパリ、ミラノ、バルセロナ、香港、東京…いろいろな都市の一隅で、森の奥深くへ分け入る時と同様に、樹々が語りかけてくれる声に耳をそばだてる。 2024年 志鎌猛 ーーーーーーーーーーーー ◉志鎌猛（Takeshi Shikama） 1948年東京生まれ。写真家。2002年より日本各地の深い森に分け入り、目に見えている風景、その奥にある目に見えない世界を写真に焼きつけたいと〝森の襞〟シリーズの制作に取り組む。2007年、写真集『森の襞 Silent Respiration of Forests』を出版。活動の場をニューヨーク、サン・フランシスコ、ヒューストン、サンタ・フェなど北米各地、パリ、ミラノ、ブリュッセル、バルセロナ、アムステルダム、ロンドンなどヨーロッパ各地、さらに香港、台湾などアジアへと広げ、旅を重ねる中から着想し〝都市の森 Urban Forest〟〝美の谷 Valley of Beauty〟〝秘密の庭園 Il Giardino Segreto〟などを制作する。「じっと見る。そして、一度だけシャッターをきる。」という一貫してきた姿勢は〝観照 Contemplation〟シリーズに昇華。2022年、写真集『観照 Contemplations』がフランス（Éditions Photosynthèses, Arles France）にて出版される。フランス国立図書館、サンディエゴ写…

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2024年2月1日（木）〜18（日） ［木・金・土］12:00ー19:00　［日］12:00ー17:00 ※月・火・水 休廊 協力：紙すき工房&工藤晢彦 iwao galleryの2024年スタートは、ブックアーティスト・足立涼子を迎えて「形の言葉vol.2」展になる。個展「形の言葉」（2022 Gallery Saoh & Tomos／東京）に続く第2弾である。2020年、足立は自ら作った結晶の形を抽出し、文字として刷られた言葉が綴られるブックアート『形の言葉』を制作した。『形の言葉』に書かれた詩に「形は存在であり／存在は言葉／そして／言葉が心ではたらくなら／言葉の解釈は／他者と共にある」という部分がある。地球上の多様な存在について、その存在の放つ言葉について“形の文字”とともに考えて欲しいと彼女は言う。世界には読まれるべき言葉、まだ読まれていない無数の言葉が存在する。言葉は難解だ、が、時として言葉として見えてくる形がある。脳内にある〝形の文字〟が踊るように動き出す美しい作品（本）を視覚や触覚（ページをめくる音、紙の匂い）、全ての感覚で愉しんで欲しい。 ※ブックアート(Book Art)：アートブックは〝美術に関する本全般〟を示しているのに対して、ブックアートは本の形式をとった美術作品のこと。アーティストブックとも言う。 ーーーーーーーーーーーー Statement 四方形のシャーレに溶液を結晶させる。あらわれた形をくりかえし見ていると、符号か文字のように見えてきて、頭の中の混沌とした思考が言葉になる過程と結晶化のイメージが重なった。 寺田寅彦は浅間山で噴火した岩石をみてこう言った。 〝一つ一つが貴重なロゼッタストーンである。その表面と内部にはおそらく数百ページにも印刷し切れないだけの「記録」が包蔵されている〟 （「寺田寅彦随筆集　第五巻」岩波文庫『小浅間』より） 世界は届かぬ言葉の記録で充ちている。読むことは叶わずとも、その言葉の存在を綴じることならできるだろうか。そう考えて『形の言葉』という本を作ることにした。この本は中谷宇吉郎と寺田寅彦に導かれて書いた断章と、結晶パターンをモチーフにしている。 2024年 足立涼子 ーーーーーーーーーーーー ◉足立涼子［Ryoko Adachi］ 1968年東京生まれ。多摩美術大学大学院修士課程修了。生命現象、自然現象をもとにしたインスタレーション制作を経て、本の作品を作りはじめる。ドイツのブック・アーティストたちに刺激され渡独、2003年ブラウンシュバイク美術大学に留学（ポーラ美術振興財団より助成）。フランクフルト・ブックフェア出展の他、国内外の展覧会に出品。ドイツ国立図書館、ボストン・アセネウム、クリングスポワー・ミュージアムなどパブリックコレクション多数。現在は東京を拠点にマイ・オウン・ペースの活動を続ける。個展「形の言葉」（2022 Gallery Saoh & Tomos／東京）グループ展「絵や彫刻のように〝本〟を楽しむこと、イメージや思考を象るように。」ブックアート研究所 （2021 Gallery Saoh & Tomos／東京）、Reclamation: Artist’s Books on the Environment Exhibition（2021 San Francisco Center for the Book, San Francisco Public Library／サンフランシスコ）などがある。 https://www.ada-libr…

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